CD Booklet / Livret
[English]
A Whole World in Itself
Gustavo Gimeno, TSO Music Director
When I think of the greatest compositions of the 20th century, Olivier Messiaen’s Turangalîla-Symphonie is certainly among them. So when I was asked to select a work from the entirety of the orchestral repertoire for my very first recording as Music Director of the Toronto Symphony Orchestra, and to mark the organization’s 100th year, my decision was immediate.
To properly prepare for this undertaking, I began studying the music months in advance. I engaged with the piece for so long that it took up residency in my head. It was always there with me, somewhere – which is why I experienced a deeply satisfying catharsis when the time finally came to capture this towering work for posterity.
In formulating his creation, Messiaen was inspired by the medieval legend of Tristan and Isolde – the Cornish knight and Irish princess whose potion-induced passion led to their fate. But while the tragic tale of love and death was the composer’s starting point, in the end, his symphony is a ‘love song’ and ‘hymn to joy’ in all its complexity. Messiaen himself described the love of Turangalîla as ‘fatal, irresistible, transcending everything, suppressing everything outside itself,’ and the joy as ‘superhuman, overflowing, blinding, unlimited.’
And what better way to convey that complexity than with a massive composition that depicts the contrasting conditions of the human heart: It is introspective and huge at the same time. There are soft, slow-paced, beautifully evocative, sensual, and intimate sections. And then there are movements of enormous rhythmic energy. The richness of dynamics, colours, and emotions is extreme and even, at times, overwhelming. The piece is a whole world in itself. It’s spectacular.
The orchestra is likewise immense, and all the musicians are active, but there is a particular dynamism required of the many percussion and keyboard instruments – which the composer regarded as a small orchestra within a large one – including the celesta, glockenspiel, vibraphone, piano, and ondes Martenot.
There are only a handful of artists on the planet who have played the ondes Martenot part in Turangalîla. Nathalie Forget is one of them, and we were thrilled to have the French artist harness the haunting, other- worldly character of the electronic instrument so expertly for this recording. It was also our pleasure to have extraordinary Canadian pianist Marc-André Hamelin join us. Not only has he appeared as a soloist with the world’s leading orchestras, but he’s also received seven JUNO Awards and 11 GRAMMY® nominations, and is an Officer of the Order of Canada. Though he has performed the virtuosic solo piano part a number of times throughout his career, this marked the first opportunity he’s had to record it.
As for the musicians of the Toronto Symphony Orchestra, they approached this monumental endeavour with characteristic refinement, expectant resolve, and a heightened degree of consciousness. It’s as if we were scaling a mountain, with all of our energies layered together as we advanced toward the apex.
The entire experience, like Messiaen’s masterpiece itself, was utterly transporting. I sincerely hope it moves you as well.
Marking History by Making History
Mark Williams, TSO Beck Family Chief Executive Officer
This recording was 100 years in the making – which is why it’s not simply another interpretation of Turangalîla-Symphonie but rather a creation of great significance for the Toronto Symphony Orchestra. Produced during our extraordinary Centennial, it is a bridge between our past and our future, and, in essence, a thrilling dialogue with our history: it marks Gustavo Gimeno’s inaugural recording as our Music Director and reverberates with the echoes of our GRAMMY®-nominated 1968 recording of the same piece – the first in North America – under our legendary former artistic leader Seiji Ozawa.
Sitting in the hall and listening to the recording sessions, I couldn’t help but wonder what my predecessor thought as he did the same 55 years ago, witnessing the same spectacle, immersed in this breathtaking piece. It felt as if we were sharing, through time, a living thread of connection.
And this is precisely why I can think of no better way to commemorate our first century of music-making than with this recording. Connection is a unifying theme that permeates our organization, and it defined the watershed moment of our Centennial Celebration. We extended our arms in every direction, weaving together a tapestry of experiences imbued with unprecedented openness. An in-the-moment encounter with exceptional artistry, each concert resonated deeply and transformed us profoundly. Every performance took us on a journey through the Orchestra’s illustrious past while propelling us toward a future bursting with possibility.
Our audacious choice of Turangalîla for our first release with Harmonia Mundi underscores our readiness to embrace the unexpected. More than just music, it’s a total experience – a mesmerizing blend of emotional scope, technical complexity, and sensorial provocation that transcends the ordinary and, much like experiencing the jolt of love at first sight, sets your pulse racing.
We envision a future where listeners, whether you’re a classical devotee or an explorer from other musical realms, join us in this journey. This work, with its jazz-like syncopations, proto-electronica sonorities, and global musical influences, is universal. The timeless themes of love and joy woven throughout it create a symphony that effortlessly crosses borders and eras, resounding in the hearts of all who listen.
We exist to create moments like this. We are more than an orchestra. We are here to unite communities, across Toronto and beyond, through powerful, challenging, and meaningful musical experiences that enthrall listeners from every corner of our community.
Thank you for listening.
Turangalîla-Symphonie, a hymn to love in ten movements
‘Harawi is the first act, for voice and piano, of a large-scale Tristan and Iseult, the second act of which is called Turangalîla-Symphonie.’ Messiaen composed Harawi in the summer of 1945, at his residence in Petichet (Isère), where he was staying for the first time since 1939. On his return to Paris to recommence giving his harmony classes at the Paris Conservatoire, he received a request from Serge Koussevitzky, the Russian-born conductor who had been music director of the Boston Symphony Orchestra since 1924. A generous patron who had previously commissioned Stravinsky’s Symphony of Psalms (1930) and Bartók’s Concerto for Orchestra (1944), he had given the American premiere of Messiaen’s Les Offrandes oubliées in 1936. Messiaen later recalled that Koussevitzky’s commission to him had stipulated, more or less: ‘Write me whatever work you wish, in whatever style and at whatever length you wish, and I will impose no deadline for delivery of your work.’ The composer took full advantage of this extraordinary prodigality. In the summer of 1946, he set about the task.
Prodigality in terms of dimensions: a mighty structure in ten movements, lasting eighty minutes, unified by sculptural cyclic themes that circulate and develop throughout the symphony. Prodigality, also, in the instrumental forces of one hundred and three musicians: a very large string section, the full complement of woodwind, a ‘noisy brass group’ and a gigantic percussion section. Equally unusual is the presence of three soloists: an ondes Martenot, a ‘supra-expressive’ voice alternating between the ‘most terrifying’ sounds (metallic timbres) and the ‘most diaphanous’ sounds (extra-terrestrial timbres); a solo piano, intended ‘to make the orchestra sparkle’ (diamanter l’orchestre) and reproduce the ‘birdsongs’; a ‘gamelan’ in Balinese style, with which he had experimented in the Trois Petites Liturgies, represented by celesta and vibraphone. A symphony that is well on the way to being a triple concerto.
Messiaen continued working on his composition during the summers of 1947 and 1948, and submitted the piano reduction to Koussevitzky and his young assistant Leonard Bernstein on his first visit to the United States in the summer of 1949. It was Bernstein who conducted the premiere of the Turangalîla-Symphonie in Boston on 2 December of the same year, with Yvonne Loriod (piano) and Ginette Martenot (ondes Martenot).
The exotic-sounding title Turangalîla-Symphonie, derived from Sanskrit and literally signifying something like ‘Course of the galloping steed’, prepares the listener for a supernatural journey where life and death, sensuality and rationality clash, a ‘Song of Love’ on a cosmic scale: ‘A hymn to joy. Not bourgeois joy . . . but a superhuman joy, overflowing, blinding and excessive . . . This is fatal, irresistible love . . . symbolised by the love-potion of Tristan and Iseult.’
1 - Introduction
From the very first sequence, the statue theme is introduced by roaring trombones in heavy major thirds. Dread at the cruelty of the ancient Mexican gods is immediately calmed by the statement on duetting clarinets of the flower theme, the fragile beginning of an amorous attachment. Then, in a singular effect of spatialisation, the fragile flower theme ensemble of clarinets, celesta and vibraphone is encircled by the return of the statue theme. A piano cadenza precedes an extraordinary sequence of four superimposed rhythmic pedals. Then comes a striking effect suggesting an implacable pendulum, magisterially orchestrated in four superimposed layers of timbres: discrete blocks of woodwind, strings, percussion, and gamelan (glockenspiel, celesta, vibraphone, solo piano).
2 - Chant d’amour 1 (Song of love)
A complex atonal polyphony immediately creates an anguished mood, broken by a crescendo in F sharp major preceding the rondo refrain, composed of two themes: the first virile, the second gently feminine on ondes Martenot and strings. A sinuous, atonal first episode on flutes and bassoons is followed by a reprise of the refrain. The second episode bursts in with a new element, a passionate, youthful élan that dominates irresistibly. A dazzling light emerges, a rapid, martellato scale on the ondes Martenot and the piano, sweeping across their compass from high treble to bass, and mingled with the trills of the bass drum and the tam-tam.
3 - Turangalîla 1
A mysterious melody enunciated by the clarinet, irradiated by strokes on the vibraphone and the metallic timbre of the ondes Martenot, plunges us into a dreamlike atmosphere. Suddenly, the mood veers towards nightmare: a violent assertion from the trombones topped by the shimmer of the gamelan. A new theme stated in retrograde canon by oboe and flute is followed by the return of the theme of terror: the trombones howl above the superimposition of three rhythmic ‘characters’ – an ‘animal’ layer (bass drum) that grows in intensity, a ‘vegetable’ layer (wood block) that remains static, and a ‘mineral’ layer (maracas) that gradually diminishes.
4 - Chant d’amour 2 (Song of love)
Scherzo form with two trios. To begin with, the piccolo, in dialogue with the bassoon, serves as a backdrop for the emergence of the love theme in a tenderness expressed with ‘Tristanesque’ intensity. This is the perfect antithesis of the lugubrious statue theme, which reappears at the climax of a ‘Cubist’ collage of ten ‘musics’.5 A piano cadenza introduces a soothing coda in which the flower theme, statue theme and love theme die away in turn, on ondes Martenot and strings, in a gossamer-light orchestration.
5 - Joie du sang desétoiles (Joy of the blood of the stars)
A wild, vehement dance in which a distorted version of the statue theme is followed by the flower theme, here unrecognisable, wailed out by the horns, the trumpets and the ondes Martenot. A violent cosmic disruption which, in the central development, attains the dimension of a nocturnal Black Sabbath interrupted by five blows violently hammered out by the orchestra. The piano, contaminated by this violence, attacks the keyboard from top to bottom avec feu (with fire) before gently slowing down to prepare a solemn enunciation of the statue theme.
6 - Jardin du sommeil d’amour (Garden of the sleep of love)
‘We are in Tristan’s garden’, Messiaen tells us. The love theme is stated slowly on the ondes Martenot and the strings while the woodwind and piano caress it with birdsong. Two temple blocks criss-cross in a subtle rhythmic organisation, to signify the lovers soaring ‘almost out of time’: one states a phrase in increasing durations, while the other plays it in an exact retrograde. The tinkling of the celesta’s crystalline arabesques rocks the lovers in their sleep.
7 - Turangalîla 2
Suddenly everything becomes nightmarish once more. A wild cadenza on the piano triggers off a strange percussion sequence, a terraced structure of three different durations and their retrogrades, with terraced timbres, from the deep bass drum to the treble of the wood block. Another terrifying moment: eight descending notes, like a diabolical clock ticking away the seconds before death. An evocation of Poe’s tale The Pit and the Pendulum.
8 - Développement del’amour (Development of love)
Proliferation of the love theme, as if the lovers could never be sated with each other. After a reprise of the statue theme in rhythmic canon, the love theme undergoes constant metamorphoses, appearing now faster, now extremely slowly, and sometimes accompanied by the flower theme. The movement concludes with a glorious affirmation, fortissimo, then a decrescendo fading towards the coda.
9 - Turangalîla 3
A single theme, initially stated by the clarinet alone, swells in density through a ‘timbral’ crescendo to reach its climax with the addition of five exposed percussion instruments developing a seventeen-duration rhythmic structure. Then strings divided into thirteen independent parts decorate the ensemble with phosphorescent, irreal harmonies.
10 - Final
Dionysian, cosmic joy explodes in this finale. It opens with a fanfare theme in the two voices of the trumpets and the horns, followed by the return of the love theme, first accelerated as if taking flight, then restored in majesty amid blinding light by the full orchestra and the ondes Martenot. The fanfare reappears as if to proclaim the glorious triumph of love.
[Français]
Un univers en soi
Gustavo Gimeno, directeur musical de l’Orchestre symphonique de Toronto
Il ne fait aucun doute pour moi que la Turangalîla-Symphonie d’Olivier Messiaen fait partie des plus grandes compositions du XXe siècle. C’est pourquoi je n’ai pas longtemps hésité, lorsqu’on m’a demandé de choisir une œuvre pour mon tout premier enregistrement en tant que directeur musical de l’Orchestre symphonique de Toronto, dans le cadre des célébrations de son centième anniversaire.
Pour me préparer à ce projet, j’ai commencé à étudier l’œuvre des mois à l’avance. J’ai passé tellement de temps avec la Turangalîla qu’elle s’est véritablement ancrée dans ma tête. Elle était sans cesse là, avec moi – aussi ai-je ressenti une sorte de catharsis lorsqu’est venu le moment de l’immortaliser.
Pour sous-tendre son œuvre, Messiaen s’est inspiré du mythe littéraire médiéval de Tristan et Yseult, un chevalier de Cornouailles et une princesse irlandaise, que la passion – provoquée par un philtre d’amour – conduit à un destin fatal. Mais si cette histoire tragique d’amour et de mort fut le point de départ du compositeur, sa symphonie se révèle finalement être un “chant d’amour”, un “hymne à la joie” dans toute sa complexité. Messiaen le décrit lui-même comme un “amour fatal, irrésistible, qui transcende tout, qui supprime tout hors lui” et un hymne à la “joie surhumaine, débordante, aveuglante et démesurée”.
Il n’y a guère de meilleur moyen de transmettre cette complexité qu’une composition puissante, qui dépeint les états contrastés du cœur humain : c’est à la fois introspectif et gigantesque. Il y a des sections douces, au rythme lent, magnifiquement évocatrices, sensuelles et intimes. Et puis il y a des mouvements d’une formidable énergie rythmique. La richesse des dynamiques, des couleurs et des émotions est extrême, parfois même écrasante. Cette œuvre est un univers en soi. Elle est spectaculaire. Elle requiert un orchestre tout aussi immense, où tous les musiciens sont sollicités, mais elle exige un dynamisme tout particulier des nombreux instruments à percussion et à clavier – que le compositeur considérait comme un petit orchestre au sein du grand –, parmi lesquels on compte un célesta, un glockenspiel, un vibraphone, un piano et des ondes Martenot.
Nathalie Forget fait partie des rares artistes ayant joué la partie d’ondes Martenot de la Turangalîla. Nous avons été ravis que l’artiste française exploite ici avec tant de talent le caractère obsédant de cet instrument électronique semblant venu d’un autre monde. Nous avons également eu le plaisir d’accueillir l’extraordinaire pianiste canadien Marc-André Hamelin. Bien qu’il ait interprété la partie virtuose de piano solo de la Turangalîla à plusieurs reprises au cours de sa carrière, c’est la première fois qu’il l’enregistrait.
Les musiciens de l’Orchestre symphonique de Toronto ont quant à eux abordé cette entreprise monumentale avec le raffinement qui les caractérise, avec toute la détermination escomptée et une conscience affûtée. C’est comme si nous escaladions une montagne et que toutes nos énergies se superposaient au fur et à mesure que nous approchions du sommet.
À l’image de ce chef-d’œuvre de Messiaen, toute cette expérience a été infiniment exaltante. J’espère sincèrement qu’elle vous transportera tout autant.
Écrire l’histoire en la faisant
Mark Williams, directeur général de l’Orchestre symphonique de Toronto (TSO Beck Family CEO)
Ce disque est le produit d’un siècle de maturation – c’est pourquoi il ne s’agit guère d’une énième interprétation de la Turangalîla-Symphonie, mais bien d’une réalisation chargée de sens pour l’Orchestre symphonique de Toronto. Produit à l’occasion du centenaire de l’orchestre, il est une passerelle entre notre passé et notre avenir, un dialogue enrichissant avec notre histoire. Premier enregistrement du directeur musical Gustavo Gimeno avec l’Orchestre symphonique de Toronto, il renvoie aussi des échos de la Turangalîla-Symphonie que notre phalange gravait en 1968, disque nominé pour un GRAMMY® – le premier en Amérique du Nord –, sous la direction de notre légendaire maestro d’alors, Seiji Ozawa.
Lors des séances d’enregistrement, je n’ai pu m’empêcher de me demander ce qu’avait pensé mon prédécesseur il y a 55 ans, lui aussi assis dans la salle et pareillement plongé dans cette œuvre à couper le souffle. J’ai eu l’impression que nous partagions, à travers le temps, un lien toujours vivant.
C’est précisément la raison pour laquelle je ne vois pas de meilleure façon de commémorer notre premier siècle de création musicale que cet enregistrement. Tisser des liens, telle est la raison d’être de notre structure, et tel fut le maître mot qui aura marqué ce seuil décisif que fut la célébration de notre centenaire. Nous avons tendu les bras dans toutes les directions, tissant un réseau d’expériences sous le signe d’une ouverture et d’une cohésion sans précédent. Chaque concert, ce moment de rencontre sur le vif avec des artistes d’exception, nous a profondément marqués et transformés ; chaque représentation nous a fait voyager dans le passé illustre de l’Orchestre, tout en nous propulsant vers un avenir prometteur.
Que nous ayons fait le choix audacieux de la Turangalîla-Symphonie pour notre première publication avec harmonia mundi révèle notre disposition à embrasser l’inattendu. Il ne s’agit pas uniquement de musique, mais d’une expérience totale – un mélange envoûtant d’amplitude émotionnelle, de complexité technique et de provocation sensorielle qui transcende l’ordinaire et qui, à l’image d’un “coup de foudre”, fait s’emballer le pouls.
Nous avons la vision d’un avenir où les auditeurs, qu’ils soient de fervents amateurs de musique classique ou qu’ils viennent d’autres univers musicaux, nous rejoindront dans ce voyage. Avec ses syncopes proches du jazz, ses sonorités proto-électroniques et ses influences musicales venues du monde entier, la Turangalîla est universelle. La trame formée par les thèmes intemporels de l’amour et de la joie crée une symphonie qui franchit sans peine les frontières comme les époques et résonne dans le cœur de tous ceux qui l’écoutent.
Nous existons précisément pour créer des moments comme celui-ci. Car nous sommes bien plus qu’un orchestre : nous sommes aussi là pour unir les communautés d’un bout à l’autre de Toronto et au-delà, grâce à des expériences musicales fortes, stimulantes, qui ont du sens et qui enthousiasment les auditeurs des quatre coins de notre société.
Merci de nous écouter.
Turangalîla-Symphonie, un hymne à l’amour en dix mouvements
“Harawi est le premier acte, pour chant et piano, d’un grand Tristan et Yseult, dont le second s’appelle Turangalîla Symphonie.” Messiaen compose Harawi à l’été 1945, dans sa résidence de Petichet (Isère) qu’il retrouve pour la première fois depuis 1939. Revenu à Paris pour assurer ses cours d’harmonie au Conservatoire de Paris, il reçoit une demande de Serge Koussevitzky. Chef d’orchestre d’origine russe, il dirige le Boston Symphony Orchestra depuis 1924. Mécène généreux de la Symphonie de psaumes (1930) de Stravinsky et du Concerto pour orchestre (1944) de Bartók, il a assuré, en 1936, la création américaine des Offrandes oubliées de Messiaen. Il lui passe une commande formulée ainsi : “Faites-moi l’œuvre que vous voulez, dans le style que vous voulez, de la durée que vous voulez, et je ne vous impose aucun délai pour me remettre votre travail”2. Messiaen prend à la lettre cette prodigalité hors du commun. Dès l’été 1946, il se met au travail.
Prodigalité quant à la dimension : une puissante architecture en dix mouvements, d’une durée de quatre-vingts minutes, unifiée par de sculpturaux thèmes cycliques qui circulent et se développent à travers toute la symphonie.
Prodigalité quant au dispositif instrumental de cent trois musiciens : quintette à cordes au grand complet, tous les bois, un “bruyant groupe de cuivres”, un gigantesque groupe de percussions. Tout aussi insolite, la présence de trois solistes : ondes Martenot, voix “supra-expressive” alternant sons les “plus terrifiants” (timbres métallisés) et sons les “plus vaporeux” (timbres d’espace) ; piano solo destiné “à diamanter l’orchestre” et restituer “les chants d’oiseaux” ; “gamelan” à la manière balinaise, expérimenté dans les Trois Petites Liturgies, comprenant célesta et vibraphone. Une symphonie qui prend l’allure d’un triple concerto.
Poursuivant sa composition durant les étés 1947 et 1948, Messiaen, lors de son premier séjour aux États-Unis à l’été 1949, soumet la réduction pour piano à Koussevitzky et son jeune assistant, Leonard Bernstein. C’est ce dernier qui dirige la création de la Turangalîla-Symphonie, le 2 décembre 1949 à Boston, avec Yvonne Loriod (piano) et Ginette Martenot (ondes Martenot).
Turangalîla-Symphonie ou Allure du coursier, titre dont la sonorité exotique, provenant du sanscrit, prépare l’auditeur à un voyage surnaturel où s’affrontent vie et mort, sensualité et rationalité, un “Chant d’Amour” à l’échelle cosmique : “Un hymne à la joie. Non pas la joie bourgeoise… mais une joie surhumaine, débordante, aveuglante et démesurée… C’est l’amour fatal, irrésistible… symbolisé par le philtre de Tristan et Yseult.”
1 - Introduction
Dès la première séquence, le thème-statue est introduit aux trombones rugissants en lourdes tierces majeures. Effroi de la cruauté des anciens dieux mexicains immédiatement adouci par l’exposé en duo de clarinettes du thème-fleur, fragiles prémices d’un attachement amoureux. Puis, dans un singulier effet de spatialisation, le fragile ensemble clarinettes, célesta et vibraphone du thème-fleur est ceinturé par le retour du thème-statue. Une cadence du piano précède une extraordinaire séquence de quatre pédales rythmiques superposées. Saisissant effet d’implacable balancier, magistralement orchestré en superposition en quatre couches de timbres : bloc des bois, bloc des cordes, bloc des percussions et bloc du gamelan (glockenspiel, célesta, vibraphone, piano solo).
2 - Chant d’amour 1
Une polyphonie atonale complexe crée d’emblée un climat angoissant, rompu par un crescendo en fa dièse majeur précédant le refrain du rondo composé de deux thèmes : le premier, viril ; le second, d’une douceur féminine aux ondes et aux cordes. Un premier couplet sinueux et atonal aux flûtes et bassons est suivi de la reprise du refrain. Le second apparaît avec un nouvel élément, un élan passionné et juvénile qui s’impose irrésistiblement. Une lumière fulgurante surgit, trait rapide et martelé des ondes et du piano balayant la tessiture de l’aigu au grave mêlé aux trilles de la grosse caisse et du tam-tam.
3 - Turangalîla 1
Une mystérieuse mélodie énoncée par la clarinette, irradiée des touches du vibraphone et du timbre métallisé des ondes, nous plonge dans une atmosphère de rêve. Soudain, l’ambiance vire au cauchemar : violente affirmation des trombones surmontée du scintillement du gamelan. Un nouveau thème exposé en canon rétrograde par le hautbois et la flûte est suivi du retour du thème de la terreur : les trombones hurlent au-dessus d’une superposition de trois personnages rythmiques : couche animale (grosse caisse) cheminant croissant, couche végétale (wood-block) immobile, et couche minérale (maracas) qui décroît.
4 - Chant d’amour 2
Forme scherzo avec deux trios. En ouverture, la petite flûte dialoguant avec le basson sert d’écrin au surgissement du thème d’amour dans une tendresse exprimée avec une intensité “tristanesque”. Antithèse parfaite du lugubre thème-statue, qui réapparaît à l’apogée d’un collage “cubiste” de dix musiques. Une cadence du piano introduit une coda apaisée où s’évanouissent tour à tour le thème-fleur, le thème-statue et le thème d’amour, aux ondes et aux cordes, dans une orchestration arachnéenne.
5 - Joie du sang desétoiles
Danse sauvage, véhémente, où le thème-statue, déformé, est suivi du thème-fleur, méconnaissable, hurlé par les cors, les trompettes et les ondes. Violent dérèglement cosmique atteignant, dans le développement central, la dimension d’un sabbat nocturne interrompu par cinq coups violemment martelés par l’orchestre. Le piano contaminé par cette violence attaque “avec feu” le clavier de haut en bas avant de ralentir doucement pour préparer l’énoncé solennel du thème-statue.
6 - Jardin du sommeil d’amour
“Nous sommes dans le jardin de Tristan”, précise Messiaen. Le thème d’amour est exposé lentement aux ondes et aux cordes tandis que les bois et le piano le caressent de chants d’oiseaux. Une subtile organisation rythmique, pour signifier l’envol des amants “presque hors du temps”, entrecroise deux temple-blocs : l’un déroule une phrase aux durées croissantes ; l’autre la déploie dans une exacte rétrogradation. Le tintement des arabesques cristallines du célesta berce le sommeil des amants.
7 - Turangalîla 2
Soudain tout redevient cauchemardesque. Une folle cadence du piano déclenche une étrange séquence aux percussions, étagement de trois déroulements de durées et de leurs rétrogradations avec un étagement des timbres, du grave de la grosse caisse aux aigus du wood-block. Autre moment terrifiant : huit notes descendantes, comme une horloge diabolique égrenant les secondes précédant la mort. Évocation du Puits et le Pendule de Poe.
8 - Développement del’amour
Prolifération du thème d’amour, comme si les amants n’étaient jamais rassasiés d’eux-mêmes. Après une reprise en canon rythmique du thème-statue, le thème d’amour subit d’incessantes métamorphoses, apparaissant tantôt en accéléré, tantôt extrêmement lentement, parfois accompagné du thème-fleur. Tout se conclut par une affirmation glorieuse, fortissimo, puis en decrescendo déclinant vers la coda.
9 - Turangalîla 3
Un thème unique, d’abord exposé à nu par la clarinette, gonfle en densité “timbrique” crescendo pour atteindre son paroxysme par l’ajout de cinq percussions à découvert développant une structure rythmique à dix-sept durées. Puis des cordes divisées en treize parties indépendantes tapissent l’ensemble d’harmonies phosphorescentes, irréelles.
10 - Final
Joie cosmique dionysiaque explosant dans ce final. Ouverture sur un thème en fanfare aux deux voix des trompettes et des cors puis retour du thème d’amour, d’abord accéléré comme un envol puis restitué en majesté dans une lumière aveuglante par l’orchestre au grand complet et les ondes. La fanfare réapparaît comme pour proclamer le triomphe glorieux de l’amour.